ANDROGINIA

Na mitologia

Andrógino é, também, segundo o livro "O Banquete", de Platão, uma criatura mítica proto-humana. No livro, o comediógrafo Aristófanes descreve como haveriam surgido os diferentes sexos. Havia antes três seres: Andros, Gynos e Androgynos, sendo Andros entidade masculina composta de oito membros e duas cabeças, ambas masculinas, Gynos entidade feminina mas com características semelhantes, e Androgynos composto por metade masculina, metade feminina. Eles não estavam agradando os deuses, que os resolveu separar em dois, para que se tornassem menos poderosos. Seccionado Andros, originaram-se dois homens, que apesar de terem seus corpos agora separados, tinham suas almas ligadas, por isso ainda eram atraídos um por o outro. O mesmo ocorre com os outros dois. Andros deu origem aos homens homossexuais, Gynos às lésbicas e Androgynos aos heterossexuais. Segundo Aristófanes, seriam então dividos aos terços os heterossexuais e homossexuais.
Androginia refere-se a dois conceitos: a mistura de características femininas e masculinas em um único ser, ou uma forma de descrever algo que não é nem masculino nem feminino.
Pessoa que se sente com uma combinação de características culturais quer masculinas (andro) quer femininas (gyne). Isto quer dizer que uma pessoa andrógina identifica-se e define-se como tendo níveis variáveis de sentimentos e traços comportamentais que são quer masculinos quer femininos.

Conceito de androginia humana

O andrógino é aquele(a) que tem características físicas e, em aditivo, as comportamentais de ambos os sexos. Assim sendo, torna-se difícil definir a que gênero pertence uma pessoa andrógina apenas por sua aparência.
Andróginos que prezam por sua androginia normente utilizam de adereços femininos, no caso de homens, ou masculinos, no caso de mulheres, para ressaltar a dualidade. Dado isso, tende-se a pressupor que os andróginos sejam invariavelmente homossexuais ou bissexuais, o que não é verdade, uma vez que a androginia ou é um caráter do comportamento e da aparência individual de uma pessoa ou mesmo sua condição sexual psicológica, nada tendo a ver com a orientação sexual (ou identificação sexual), ou seja a atração erótica por determinado parceiro. Desse modo, pessoas andróginas podem se identificar como homossexuais, heterossexuais, bissexuais, assexuais, ou, ainda, pansexuais.

Conceito na psicologia

Na psicologia, androginia é uma disforia de gênero rara que é responsável por uma condição psíquica em que o indivíduo se identifica como não sendo nem homem nem mulher, mas como uma pessoa de sexo mentalmente híbrido, o que se reflete em seu comportamento. Dentro da psicologia, Sandra Bem desenvolveu um teste no qual considera-se a masculinidade e feminidade num plano bidimensional. Nessa modelagem, pessoas com traços significativos para a masculinidade e feminilidade obtidos, por exemplo, através do Inventário de Papéis Sexuais de Bem poderiam ser consideradas como andróginas. A OMS (Organização Mundial da Saúde) calcula que haja em torno de seiscentos mil verdadeiros andróginos no mundo atualmente Os Andróginos possuem por natureza aptidão artística e criatividade o que podemos verificar principalmente no meio musical. Além disso os portadores desse caráter psíquico/comportamental expressam valores de Q.I. elevados e uma percepção mais ampla dos relacionamentos humanos uma vez que analisam seu meio de convívio de vários pontos de vista diferentes. Estudos revelaram que os portadores de androginia são em sua grande maioria ansiosos e excêntricos. Para a Psicologia Analítica, de Carl Gustav Jung, andrógino se refere a uma integração dos pares de opostos anima und animus, respectivamente o feminino e o masculino ambas características ao mesmo ser.

A androginia pode ser confundida com hermafroditismo. No entanto, eles são conceitos diferentes, já que este consiste na presença de genitália, interna e externa, ambígua; e aquele se refere a pessoas do sexo masculino e feminino que possuem características físicas que fazem com que se apresentem semelhantes ao sexo oposto.

Assim, muitos andróginos se aproveitam desse diferencial para reforçar essa característica, utilizando roupas, acessórios, corte de cabelo, maquiagem e comportamentos duais, ou que caracterizam o outro sexo; aumentando ainda mais a dificuldade em defini-los pelo gênero, tendo apenas como parâmetro a aparência física.

Por se tratar de um comportamento não muito convencional, muitos artistas se utilizam dessa ideia; e pelo mesmo motivo, algumas pessoas julgam que andróginos são, invariavelmente, homoafetivos, o que não é verdade. Na moda, esse tema é bastante explorado, não sendo raro vermos desfiles com mulheres de rosto angular com cabelo curto e terno, e homens de traços mais delicados, cabelos longos e lápis nos olhos. Além disso, pessoas insatisfeitas com a estereotipia dos papéis sexuais podem recorrer à androginia como forma de protesto.

Para quem pensa que a androginia é uma onda contemporânea, tal ideia está errada. Basta nos remetermos às esculturas da Grécia Antiga, figuras clássicas de Da Vinci e à obra “O Banquete”, de Platão, que registra a existência de três tipos de homens: os machos, fêmeas e andróginos (que seriam um único indivíduo com as características destes dois); sendo estes castigados por Zeus e sentenciados à irreversível separação física, tornando-se indivíduos fragmentados.

Importante:

Na psicologia, esse termo também é utilizado para se referir a um transtorno de identidade de gênero, no qual o indivíduo não se reconhece como homem nem como mulher, mas como o conjunto dos dois. Vale lembrar que a androginia, no caso em questão, não está, necessariamente, relacionada ao hermafroditismo e tampouco ao contexto utilizado nesta produção.

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VISUAL KEI

Visual kei (ヴィジュアル系 visual kei/bijuaru kei, "linhagem visual" ou "estilo visual"), ou Visual Rock, é um movimento musical que surgiu no Japão na década de 1980
Consiste na mistura de diversas vertentes musicais como rock, metal e, muitas vezes, uso de instrumentos relacionados à música clássica, tais como violino, violoncelo, orgão, cravo e piano (exemplo de bandas que utilizam esta influência seriam MALICE MIZER, Moi dix Mois, Sito Magus e Versailles). Uma das peculiaridades desse movimento é a ênfase na aparência de seus artistas, muitas vezes extravagante, outras vezes mais leve, mas quase sempre misturada com a androginia, e shows chamativos. No visual kei a música anda sempre ao lado da imagem e vice-versa.

Algumas bandas consideradas pioneiras do visual kei são, X JAPAN,D, D’ERLANGER, NIGHTMARE , DEAD END, BUCK-TICK, Kamaitachi e COLOR. O movimento teve seu auge em meados da década de 1990, quando bandas como BUCK-TICK, X JAPAN, LUNA SEA, Kuroyume, MALICE MIZER, SHAZNA e outras conquistaram o público e o mercado japonês. Mais tarde, durante os anos 2000, bandas como Nightmare,Moi dix Mois, D'espairsRay, BLOOD, Art Cube, Kagerou, Kagrra,, Onmyo-Za,Alice Nine e the GazettE iniciaram campanhas oficiais na Europa e em alguns países das Américas, lugares onde hoje em dia também já existe uma base sólida de fãs do movimento.
O visual kei sempre foi um movimento dinâmico e com o tempo foi ganhando variadas vertentes.

A música visual kei

Apesar de ser um termo a princípio referente à imagem das bandas, "visual kei" pode referir-se também à música das mesmas, uma vez que várias delas produzem ou produziram músicas de sonoridades que não se encaixam em outros rótulos existentes.
Algumas das sonoridades clássicas do visual kei teriam se caracterizado entre as décadas de 1980 e 1990, consolidando-se na última. Tais sonoridades teriam sofrido influências de estilos musicais como hard rock, punk rock, pós-punk, ska, etc e incluem características, entre outras, como:

• Guitarra executando notas limpas (ou com um efeito de overdrive muito leve) com frequência; Exemplos:

Artista	Música	Álbum/single	Ano
Kuroyume	neo nude	Mayoeri Yuritachi ~ Romance of Scarlet	1994
La'Mule	Curse	Curse	1999
Die In Cries	MELODIES	VISAGE	1992
Kagerou	Nawa	Hakkyou Sakadachi Onanist	2001

• Guitarra executando riff com notas mortas com frequência; Exemplos:

Artista	Música	Álbum/single	Ano
Laputa	Chemical Reaction	Jako	1998
PIERROT	Enemy	PRIVATE ENEMY	2000
Aliene Ma'riage	Tsumi to Batsu	Le Soireé	1999
BUCK-TICK	SEXUALxxxxx!	SEXUALxxxxx!	1987

• Linhas de baixo proeminentes, frequentemente trabalhando com grooves e fraseados que conduzem a base da harmonia enquanto as guitarras preenchem a mesma e incrementam o ritmo da canção; Exemplos:

Artista	Música	Álbum/single	Ano
LUNA SEA	Déjàvu	IMAGE	1992
D'ERLANGER	DARLIN'	BASILISK	1990
Kagrra,	Nue no Naku Koro	Nue	2000
Janne Da Arc	Sakura	D.N.A	2000

• Alguns trabalhos que primam pela polifonia entre duas ou mais guitarras e um baixo, de modo que cada instrumentista evite apenas repetir a mesma linha de outro, buscando consideráveis variações rítmicas e/ou harmônicas; Exemplos:

Artista	Música	Álbum/single	Ano
LUNA SEA	ROSIER	MOTHER	1994
Dir en grey	Yurameki	GAUZE	1999
MALICE MIZER	Tsuioku no Kakera	Voyage ~sans retour~	1996
La'cryma Christi	Blueberry Rain	Sculpture of Time	1997

• Em termos de ritmos de bateria, o visual kei utiliza diversos, de acordo com a necessidade de cada música, buscando referências em suas variadas influências. Exemplos de alguns ritmos mais comumente usados podem ser encontrados nas músicas supracitadas.
• Outra característica notável são os tipos de melodias utilizadas. De fato, a música japonesa em geral parece trabalhar com melodias que normalmente diferem consideravelmente de padrões melódicos ocidentais. No j-rock (e, consequentemente, também no visual kei), essas melodias são marcadas por características como variação e alcance de notas consideravelmente distantes (por vezes, com mudanças súbitas) e emoções mais intensas ou que percorram caminhos notavelmente diferentes (mais melancólicos, por exemplo) do que os de melodias ocidentais; Exemplos:

Artista	Música	Álbum/single	Ano
GLAY	Glorious	BEAT out!	1996
L'Arc~en~Ciel	Blurry Eyes	Tierra	1994
Kuroyume	autism -Jiheishou-	Mayoeri Yuritachi ~ Romance of Scarlet	1994
D'ERLANGER	LA VIE EN ROSE	LA VIE EN ROSE	1989

Obs.: Apesar de alguns dos exemplos supracitados serem músicas lançadas durante a década de 2000, ao ouvi-las, percebe-se claramente que as mesmas possuem elementos estabelecidos no meio visual kei durante as décadas de 1990 ou 1980.
Já existia uma boa variação de estilos entre as bandas visuais até a década de 2000. Após o início da mesma, tal variação cresceu ainda mais, buscando novas e ainda mais diversificadas fontes de inspiração. Entre diversos casos, pode-se citar o do grupo Kagrra, que combinou o rock do visual kei com música tradicional japonesa e deu origem ao que chama de "neo-japanesque"; o do Merry, que mistura em seus trabalhos elementos de jazz, punk e rock’n’roll tradicional; e o de Miyavi, que desenvolveu um estilo solo onde realiza diferentes funções ao mesmo tempo como cantar, tocar violão com técnicas pouco comuns na utilização do mesmo como slap e executar percussão em um gigpig e/ou no corpo do próprio violão. Adiante, Miyavi combinou este estilo a uma abordagem mais pop e hip hop, contando com o apoio de uma banda que inclui DJ, MC/beatboxer e sapateador, gerando o que ele nomeou como "neo vizualism".
Um caso que parece já ter servido de inspiração para diversas outras bandas é o do Dir en grey. Em 2002, o grupo começou a adicionar elementos do nu metal à sua música, característica que prevalece até hoje em seus trabalhos. Na mesma época, o MUCC começou a fazer uma mistura semelhante, porém com outra roupagem. No entanto, devido a semelhanças sonoras que abrangem, por exemplo, padrões de riffs e linhas vocais, é possível que tenha sido o Dir en grey o grupo inspirador de bandas como the GazettE, girugämesh, RENTRER EN SOI e Sadie (que inclui ex-roadies do Dir en grey).

Principais subgêneros

Existem vários textos amadores na internet descrevendo supostos subgêneros associados ao visual kei sem fontes citadas. Muitas bandas são também arbitrariamente associadas a determinados estilos, apesar de nunca terem assumido o rótulo ou sequer se parecerem com bandas que assumiram o rótulo (exemplo: Dir en grey erroneamente associado ao eroguro kei). Abaixo, algumas informações mais concretas sobre o assunto.

Nagoya kei

Um dos termos genéricos usados para designar as bandas de visual kei cujas atividades se concentram nos arredores de uma determinada cidade ou região japonesas, no caso, Nagoya. O exemplo mais representativo do nagoya kei é Kuroyume. Essas bandas ganharam força por volta de 1990 e prosperaram no cenário de gravadoras independentes. Também houve diversas bandas que atuaram no cenário das grandes gravadoras, mas como a popularidade do visual kei começava a diminuir rapidamente, também houve diversas bandas que duraram pouco tempo. Também há bandas que continuaram atuando mesmo após a queda da popularidade do visual rock, tais como ROUAGE, Laputa e FANATIC◇CRISIS.
Há diversas bandas que se aproximam dos gêneros kotevi e kurofuku kei, mas em relação à música, os grupos costumam desenvolver sonoridades próprias. A tendência de pessoas de Nagoya não simpatizarem com pessoas da região de Kanto, particularmente da cidade de Tóquio, teria feito com que essas bandas atuassem próximas uma das outras, o que pode ter contribuído para um ambiente mais fechado, onde as características peculiares desse estilo puderam tomar forma.
Segundo o site JmusicEuropa, o Nagoya kei tem três gerações: a primeira (até 1997), representada por bandas como Kuroyume, ROUAGE e Silver Rose, a segunda (1997 até 2002), representada por bandas como deadman, Blast, BERRY e GULLET, e a terceira (2003 até atualmente), representada por bandas como lynch., UnsraW e DEATHGAZE. Em entrevista ao site JmusicEuropa, Reo, guitarrista do lynch. e ex-guitarrista do GULLET, tenta explicar o motivo da criação de um rótulo do movimento visual kei exclusivo para Nagoya: "Eu acho que a conexão entre seniores, juniores e colegas é mais forte do que em outras regiões. Nós sempre assistimos a shows de nossos colegas, seniores e juniores, então somos influenciados por eles, naturalmente. Das pessoas a nossa volta, temos um ar peculiar, eu acho. (…) Somos influenciados no modo de pensar e vários outros aspectos além da música, então parecemos similares nisso para bandas de outras regiões, eu acho. Nagoya tem uma população menor do que as de Tóquio ou Osaka, então a cena musical é bem condensada. (…) Eu acho que a influência da primeira geração de bandas obscuras e bacanas como Kuroyume e ROUAGE ainda está presente hoje."

Angura kei e eroguro kei

"Angura" é uma palavra japonesa equivalente à inglesa "underground", um termo que designa manifestações alternativas e de pouca exposição na mídia. O conceito do angura kei foi aplicado primeiro nos teatros japoneses nos anos 1960 e depois em outras formas de arte, como pintura e música. A intenção era criar algo unicamente japonês, uma contracultura, se opondo à invasão cultural estadunidense—que começou após a Segunda Guerra Mundial.
Desde o início dos anos 1990, a música angura kei vem conquistando restrita popularidade no Japão, sem perder seus conceitos de contra-cultura—um rock despretensioso, misturado com cultura nipônica. Um famoso exemplo de angura kei é a banda Inugami Circus Dan, formada por três homens e tendo no vocal uma mulher, algo incomum no visual kei.
A palavra "eroguro" é uma mistura adaptada para o japonês das palavras "erotic" ("erótico" em inglês) e "grotesque" ("grotesco" em inglês). O termo "eroguro kei" vem do movimento "eroguro nonsense", estilo artístico criado no Japão por volta de 1920, expressado através da literatura, artes visuais e, no final dos anos 1980, na música, principalmente no movimento visual kei. Temas decorrentes do eroguro kei são representações decadentes de sexualidade, horror chocante e humor sádico, embora isto não seja uma regra (vide próximo parágrafo).
Um grupo reconhecido como pertencente ao eroguro kei é o extinto cali≠gari. Seu single "Kimi ga Saku Yama" (de 2000) tinha como tema a necrofilia. O CD trazia estampado o resultado de uma pesquisa feita com cem estudantes colegiais: "Você gosta de necrofilia?" -- 42% responderam "não", 29% responderam "sim", 19% ficaram indecisos e 10% não responderam.
Uma banda que assume claramente o rótulo de eroguro kei é Merry, que teve algumas capas de discos criadas pelo renomado quadrinhista eroguro Suehiro Maruo. Estas definições de angura kei e eroguro kei não são definitivas ou absolutas. As informações sobre os assuntos disponíveis em idiomas ocidentais são escassas ou, em muitos casos, de baixa confiabilidade, por serem textos que frequentemente expressam as visões pessoais de fãs. Algumas vezes, é difícil definir até mesmo se uma banda é na verdade eroguro ou angura. MUCC é um grupo associado por muitos fãs ao eroguro kei, embora não haja evidências de que algum trabalho do MUCC encaixe-se em tal rótulo. Outros exemplos de bandas associadas ao angura kei e/ou ao eroguro kei são Guruguru Eigakan e Dagashi Kashi

Oshare kei

Encaixam-se neste rótulo bandas que se vestem com roupas "fashion" (com mais pormenores e mais vistosas). Esses grupos explodiram na cena indie entre 2002 e 2004. Diz-se que este movimento tem suas raízes nos trabalhos do baroque.
No oshare kei, é comum ouvir composições mais pop e "coloridas" do que as de outras bandas, incorporando uma tendência de um ritmo mais animado. Bandas representativas são AN CAFE, Ayabie, Charlotte, Aicle, SuG , entre outras.

Ex-bandas visuais

É muito comum que, com o passar do tempo, bandas visuais adotem uma imagem menos elaborada das que as caracterizaram como uma banda de visual kei, frequentemente realizando mudanças também em seu som e no seu comportamento no palco. Existe controvérsia dos fãs entre si e entre os veículos da mídia, também entre si, de quando uma banda ou um artista deixam de participar do movimento visual kei.
Um caso clássico desta controvérsia é o do grupo Dir en grey. Um dos maiores representantes do visual kei no final da década de 1990 e no início da de 2000, a banda atualmente se apresenta trajando roupas como camisetas e calças jeans comuns e tocando um som com influências de rock e metal pesados ocidentais. No entanto, mesmo após a mudança, alguns textos continuam referindo-se a eles como banda visual

Em outros casos, pode haver confusão gerada pelas próprias atitudes, trabalhos e declarações de um artista. O cantor Gackt foi vocalista da banda visual MALICE MIZER. Quando iniciou sua carreira solo, adotou um visual bem mais casual, abandonando a maquiagem pesada e cabelos excêntricos e usando roupas menos trabalhadas. Além disso, sua música não possui características semelhantes com os sons clássicos do visual kei dos anos 1990, tampouco com os sons de bandas mais recentes que se inspiram nos mesmos. Apesar de tudo, Gackt considera-se um artista de visual kei.

Grafias de nomes de bandas e trabalhos do visual kei

No geral, os japoneses frequentemente trabalham a estética das palavras escritas com algarismos romanos, por eles chamados de "romaji". Diferente da cultura Ocidental, na qual nomes próprios normalmente são escritos apenas com a primeira letra maiúscula e as seguintes minúsculas, na cultura japonesa há nomes gravados de diversas formas diferentes. No mercado fonográfico do Japão—o que inclui artistas visuais, logicamente—encontram-se nomes de bandas e artistas gravados oficialmente apenas com letras maiúsculas (ex. BUCK-TICK, PIERROT), apenas com minúsculas (ex. hide, deadman), com misturas de maiúsculas e minúsculas (ex. KuRt, HIZAKI grace project), com apóstrofos (ex. La'Mule, La'cryma Christi), tios (L'Arc~en~Ciel, Fine~A’rts), pontos finais (LAB. THE BASEMENT,alice nine., ANNY’s LTD.), vírgula (Kagrra,), dois pontos (ZI:KILL, DAS:VASSER), os mais diversos sinais gráficos (cali≠gari, Lυτёη∀), tradução de ideograma com letra trocada (雅-miyavi- – os japoneses pronunciam "miyabi" de qualquer modo, pois trocam o "v" pelo "b" na hora de falar), etc.
Há casos com diferentes romanizações oficiais adotas por alguns artistas. Por exemplo, os trabalhos da banda Dir en grey, que romaniza com todas as letras maiúsculas todos os títulos de discos, músicas e etc. que originalmente são escritos com ideogramas . Outro exemplo de mudança de grafia quando há romanização é o nome do músico Miyavi, que em textos em inglês escreve-o com a primeira letra maiúscula, em vez de apenas retirar o ideograma e usar a primeira letra minúscula, como na grafia original usada durante vários anos a partir de 2002

Visual kei no Ocidente

A base de fãs ocidental do visual kei compõem-se principalmente por não-descendentes de povos asiáticos. A despeito do consumo de música asiática por parte de descendentes que vivem no Ocidente, o visual kei e o j-rock (rock japonês) começaram a conquistar fãs ocidentais com grande quantidade e frequência entre o final da década de 1990 e o início da de 2000, divulgados de fãs para fãs pela Internet e pessoalmente ou mesmo com uma promoção profissional realizada através de trilhas sonoras de desenhos animados produzidos no Japão. A maioria dos artistas japoneses de rock apreciados no Ocidente são visuais e não possuem envolvimento com animações.
Ainda na primeira metade da década de 2000, o cenário no Ocidente tornou-se propício para que bandas e gravadoras investissem nele oficialmente, lançando discos e realizando shows. Um dos primeiros shows de visual kei realizado no Ocidente de que se tem notícia ocorreu com a banda DuelJewel na cidade de Houston, Texas, Estados Unidos, em 2002. A apresentação foi uma das atrações do evento A-kon, uma ação que visava atrair, a princípio, interessados pela cultura pop japonesa em geral. Alguns dos primeiros lançamentos de visual kei no Ocidente foram realizados pela empresa francesa Mabell em 2004 e incluíam discos de bandas como KISAKI PROJECT e Vidoll. A partir desta época, cada vez mais grupos visuais começaram a tocar na Europa, principalmente em shows próprios, não atrelados a eventos que envolvem outras atividades além da música. Entre estes grupos estão BLOOD, D'espairsRay, Moi dix Mois, KISAKI PROJECT, Kagerou, deadman, Ayabie, Onmyo-Za, the GazettE, Dio e tantos outros.
Com o tempo, o número de fãs de visual kei e j-rock foram aumentando no Ocidente, onde o rock japonês tornou-se, assim como no Japão, um segmento de arte e entretenimento independente de outros da cultura pop japonesa. Na Alemanha, foram criados dois selos que trabalham exclusivamente com bandas japonesas de rock (visual kei, em sua maioria), a Gan-Shin Records (uma parceria da loja Neo Tokyo com a empresa de marketing musical Brainstorm) e a CLJ Records. Apesar de serem alemães, os selos distribuem discos e promovem shows em toda a Europa.
A grande mídia européia notou o fenômeno visual kei no Ocidente. Revistas, rádios e canais de TV realizaram especiais sobre visual kei e j-rock e passaram a acompanhar as carreiras de alguns artistas e noticiar suas realizações.
Bandas como MUCC, D'espairsRay, Moi dix Mois e Kagerou chegaram a participar de festivais como Wacken Open Air, Wave Gothik Treffen e Rock am Ring, cuja edição 2006 teve o Dir en grey entre suas atrações principais.
Nos Estados Unidos, a cena é consideravelmente menos aquecida do que na Europa, com menos lançamentos e menos shows. No entanto, alguns fatos ocorridos no país chamam atenção. No final de 2006, o videoclipe "SAKU", do Dir en grey (lançado originalmente em 2004, uma época em que a banda ainda se considerava visual kei^[10]) foi eleito o clipe de metal do ano pela audiência do programa Headbangers Ball, da MTV2.^[11] Em 2007, ocorreu o primeiro festival de rock japonês no Ocidente, Jrock Revolution, em Los Angeles, nos dias 25 e 26 de maio. Promovido por YOSHIKI (X JAPAN, Skin), o evento contou com apresentações de nove bandas/artistas visuais: Kagrra,, DuelJewel, Vidoll, Miyavi, alice nine., D'espairsRay, Merry, girugämesh e MUCC.
Em 2007, YOSHIKI, baterista e líder do X JAPAN, co-produziu, ao lado de Jonathan Platt, a trilha sonora do filme "Catacombs", dos mesmos produtores da série "Jogos Mortais". YOSHIKI também escreveu a música-tema do filme, "Blue Butterfly", lançando-a pelo seu projeto Violet UK, sendo a primeira música do mesmo a sair em um álbum (o da trilha sonora do filme).^[12] Ainda em 2007, no dia 26 de outubro, o X JAPAN retornou à atividade fazendo sua estréia mundial com a até então música inédita "I.V." como tema de encerramento do filme "Jogos Mortais 4".^[13] No primeiro bimestre de 2008, estreou em cinemas de diversos países (incluindo Brasil e Estados Unidos) o filme "Cloverfield - Monstro", cuja trilha sonora conta com o single "FUZZ" do MUCC

Visual kei no Brasil

No Brasil, existem vários fãs de visual kei que, além do visual rock, se interessam também por outras formas de rock japonês. Em 2006, o evento J's Fest II (Japan Song Fest II) atraiu 1.500 visitantes ao Circo Voador, no Rio de Janeiro, que prestigiaram, entre outras atrações, bandas nacionais inspiradas por artistas do visual kei e do j-rock. Diversos eventos de natureza semelhante ocorrem em diversas regiões do país frequentemente.
O primeiro show de visual kei do Brasil foi anunciado com as bandas Charlotte e Hime Ichigo, em um evento chamado J-Rock Rio, previsto para acontecer no Rio de Janeiro no dia 5 de agosto de 2007. Porém, o festival foi cancelado por problemas de organização que incluíam o desconhecimento da existência do evento por parte da casa anunciada como local para os shows, o Scala Rio. Até mesmo as bandas que viriam para se apresentar não foram avisadas do cancelamento do J-Rock Rio. Algumas semanas depois, a Yamato Comunicações e Eventos anunciou uma parceria com o site JaME Brasil (Jmusic America - Brasil) para produzir um show do Charlotte em São Paulo e outro no Rio de Janeiro, ambos em novembro de 2007. Segundo números divulgados na comunidade "J-Rock ~ Visual Kei", no Orkut, por David Denis (membro da equipe da Yamato), compareceram no show de São Paulo cerca de 1100 pessoas e, no show do Rio de Janeiro, cerca de 600 pessoas

Em maio de 2008, Miyavi realizou seus primeiros shows no Brasil, como parte de sua turnê mundial "THIS IZ THE JAPANESE KABUKI ROCK TOUR 2008". Inicialmente ocorreria apenas uma apresentação no dia 24/05 em São Paulo. Com o esgotamento de todos os 1400 ingressos disponíveis apenas dois dias depois do início das vendas, um segundo show foi marcado no dia 23/05 e também veio para cá em 13 de outubro de 2009 (cujas exigencia estapafurdias com não tirar fotos de seu rosto, chamaram a atenção). O evento—mais uma vez fruto de uma parceria entre Yamato e JaME—foi coberto por grandes veículos da mídia nacional como os canais de televisão Globo, Record e MTV Brasil e o jornal O Estado de São Paulo.

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GOTHIC PARTY!!!!!

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PENSAMENTOS NOTURNOS

Por: Alex Tzimisce
Todas as ideias contidas aqui surgiram durante a noite, madrugada, antes do sol nascer e muito depois dele se pôr. Contos que mostram o suspense em formas diferentes, desde o que passa na cabeça de um menino ao ver as sombras de fora adentrarem o quarto, ou um escravo moderno que deve cumprir uma missão suicida, ao medo de dois jovens que necessitam fugir de um inferno a volta de sua casa.

Selos de reconhecimento

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Ebook (PDF)
R$ 8,75

Tema: Ficção, Literatura Infanto-juvenil, Literatura Nacional Palavras-chave: contos, suspense, terror

Características

Número de páginas: 145
Edição: 1(2012)
Formato: A5 148x210
Acabamento: Brochura c/ orelha
Tipo de papel: Offset 90g

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O JOGO DO ESPELHO

Tarde da noite, nos corredores de um hospital psiquiátrico, um grupo de lindas enfermeiras conduzem um ritual de magia negra quando as coisas saem do controle e uma delas acaba morrendo na escuridão do hospício. Uma novelista best selling, Natalie Fitzgerarld volta para casa quando sua irmã misteriosa desaparece. Mal sabe ela, que a jovem entrou no poderoso "Jogo do Espelho" e nada pode detê-las deste ritual. Preparem-se O Jogo do Espelho vai começar.

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VIRGINE DRAMATICA - AMANECER

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Inverno gótico romântico da Triton

A Triton encerrou o 2º dia de SPFW e trouxe um inverno gótico, inspirado nas abóbodas da Catedral de Notredame e na arte medieval. Na passarela, as referências se fizeram presentes nas estampas digitais dos vestidos, camisas e blazers, que ganharam ares de vitrais coloridos e delicados. A arquitetura e suas formas deram o shape da alfaiataria bem cuidada que a grife vem buscando. O romantismo também está presente nos bordados (todos feitos à mão) de cristais, miçangas e canutilhos. Destaque para estes últimos que, aplicados nas saias dos vestidos, dão movimento e sofisticação.

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Reinaldo Lourenço destaca universo gótico na SPFW 2012

Reinaldo Lourenço, estilista e dono de sua própria grife, foi o grande destaque do terceiro dia de São Paulo Fashion Week 2012 neste sábado, 21, no pavilhão da Bienal do Ibirapuera, em São Paulo. A nova coleção de roupas de Reinaldo Lourenço é gótica e 'dark'. Quem foi à Semana de Moda de São Paulo conferiu roupas ousadas e que podem ser tendência para o Inverno 2012.

O desfile de Reinaldo Lourenço na São Paulo Fashion Week foi inspirado em Notre Dame de Paris, na França. A trilha-sonora do desfile já dava um tom sombrio para os modelos que passavam pela passarela do SPFW 2012. Nas roupas de Reinaldo Lourenço, também chamaram a atenção as transparências. Algumas roupas de capuz, saias lápis, golas e peles compuseram diversos looks na passarela.

O costureiro Reinaldo Lourenço fez as modelos, vestidas com peças nas cores preta e vermelha, entrarem na passarela do São Paulo Fashion Week passando em frente a um altar de velas. O desfile foi um dos mais aplaudidos até o momento na SPFW. OsPaparazzi mostrou como foi o desfile de Reinaldo Lourenço no São Paulo Fashion Week 2011. "Capuz diferenciado, saias belíssimas, roupas pretas, vestidos vermelhos, ousadia, esse foi o desfile de Reinaldo Lourenço. Sem dúvida um dos mais marcantes da Semana de Moda de São Paulo", opinou o estilista Dié Gaz.

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"Perigóticas" invadem a cena dark e fazem seu Carnaval sombrio

Rodrigo Bertolotto
Do UOL Notícias
Em São Paulo


Morcegos me mordam: as periguetes do gótico existem. Todos os garotos de preto já viram as "perigóticas", muitos já se atracaram com uma. Todas meninas dark conhecem o comportamento delas, mas nenhuma aceita o rótulo.

Esta é mais uma aclimatação do país que colocou o punk de chinelo e misturou o heavy metal com umbanda. A gíria periguete (ou piriguete) surgiu na Bahia para definir as garotas de alta rotatividade nos blocos e micaretas. A expressão migrou para o funk carioca, e a figurinha fácil ganhou letra pouco elogiosa. E ela agora desembarcou no mundo sombrio.

"O som gótico mudou, as pessoas mudaram. Com a internet e as páginas de relacionamento, ficou fácil entrar nesse mundo, saber das festas. Por isso, surgiram essas garotas que pouco se importam com a música. O que elas querem é ir à caça", define Luciana Campos, toda revestida com um vinil preto, colante e cheio de tachinhas, para se apresentar em banda de gothic metal.

Luciana está na entrada da balada chamada "Infernéticas, a Noite das Diabinhas", que oferece desconto para a menina que for paramentada com chifre, rabo e asas satânicas. O local, um antigo inferninho, oferece até o escurinho de um dark room para os darks mais afoitos.

Enquanto o Madame Satã, QG do movimento desde anos 80, está lacrado e cimentado pela Prefeitura paulistana, várias festas góticas se espalham pelas ruas escuras do centro. Umas pendem para o sexo, incluindo performances tórridas no palco. Outras têm referência terrorífica, como vampiros, carrascos medievais e seres com íris brancas.

• Os flyers das festas eróticas da cena gótica anunciam descontos para as garotas ousadas

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Ficou célebre na net a festa "Pirigótikas", que prometia entrada vip e bebida grátis para a garota fosse sem calcinha. O flyer, com quatro mortícias de roupas diminutas, correu a rede digital, mas a balada mesmo não pegou.

"Não deu certo porque as garotas acharam o nome muito pejorativo. Eu fui, mas a pista ficou vazia", confessa Ana Paula Gimenez, portando chifrinhos luminosos entre os cabelos.

O movimento gótico ou dark teve início na virada dos anos 70 para os 80, misturando as músicas mais soturnas do pós-punk britânico, vestimenta escura, referências esotéricas e ideário da literatura romântica.

Hoje em dia, esse gótico dos grupos Bauhaus, Sisters of Mercy ou Siouxsie and The Banshees é chamado de "old school" ou tradicional, enquanto a cena fica cada vez mais eclética, incluindo o gothic metal, a gothic rave, o gothabilly, o eletrônico macabro EBM e o rock industrial.

E no meio dessa salada surgiu até a figura da periguete macabra. "O gótico é um guarda-chuva de estilos. Embaixo dele cabe até essas garotinhas fetichistas chamadas de perigóticas", teoriza Cáhh Manson, nome artístico do vocalista do Mechanical Animals, que toca covers do andrógeno Marilyn Manson.

Vestida de espartilho e meia arrastão, Kaline Sousa também critica a miscelânia dentro do grupo. "Essas baladas com temática sexual é para atrair mais público. As mulheres vão montadas porque ganham desconto na entrada. Os caras são atraídos pela temática sexy. Hoje em dia, o gótico é uma mistureba. Entra até essa periguete do mal", aponta Kaline.

Outras freqüentadoras das festas concordam com ela. "É uma mina que só pensa na pegação. O gótico sempre teve um lado sensual, mas isso não é motivo para apelar", afirma Diane Lopes.

• A banda inglesa Bauhaus virou ícone do gótico dos anos 80 com a música "Bela Lugosi Is Dead"

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Já Nice Gonzaga está mais preocupada com o marido, que dá assistência no sistema de som das festas. "Se eu pudesse, torcia o pescoço de cada uma. Elas são muito atiradas", desabafa.

Pesquisadora de antropologia urbana da USP (Universidade de São Paulo), Raquel Basilone também aponta essa relação entre o circuito dark é a sensualidade.

"O visual fetichista sempre esteve presente no gótico. Herdou do punk uma postura hedonista com a vida, e de certa maneira refinou-o. Fica bastante claro nos visuais que o prazer exaltado é também o sexual", afirma a estudiosa de grupos jovens.

"Mas não é uma vulgaridade gratuita, mas sim crítica ao valor repressivo imposto pela sociedade, e talvez por um modo de celebração da finitude da vida, já que a morte é temática recorrente em letras de músicas", completa Raquel, que desenvolve pesquisa sobre a cena black metal, que converge em alguns valores com setores do góticos - um exemplo são as manifestações de repúdio ao cristianismo.

No estereotipo popular, o gótico é o sujeito que frequenta os cemitérios à noite e se veste como um membro a família Addams. As perigóticas seriam as criaturas hormonais desse clã . Tudo que começa como tragédia termina como comédia.

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STEAMPUNK:conheça nesta incrivel matéria!

Steampunk é um subgênero da ficção científica, ou ficção especulativa, que ganhou fama no final dos anos 1980 e início dos anos 1990. Trata-se de obras ambientadas no passado, ou num universo semelhante a uma época anterior da história humana, no qual os paradigmas tecnológicos modernos ocorreram mais cedo do que na História real, mas foram obtidos por meio da ciência já disponível naquela época - como, por exemplo, computadores de madeira e aviões movidos a vapor. É um estilo normalmente associado ao futurista cyberpunk e, assim como este, tem uma base de fãs semelhante, mas distinta.

 O gênero steampunk pode ser explicado de maneira muito simples, comparando-o a literatura que lhe deu origem. Baseado num universo de ficção cientifica criado por autores consagrados como Júlio Verne no fim do século XIX, ele mostra uma realidade espaço-temporal na qual a tecnologia mecânica a vapor teria evoluído até níveis impossíveis (ou pelo menos improváveis), com automóveis, aviões e até mesmo robôs movidos a vapor já naquela época.

 Este tipo de enfoque não é novidade, tanto na mídia quanto nos RPGs. O gênero Steam (vapor em inglês) há muito vem se popularizando e se mostra aos nossos olhos em filmes e desenhos animados como, a série O Mundo Perdido, o seriado e o filme James West, o filme De Volta Para o Futuro III e os anime Steamboy e Full Metal Alchemist. Os filmes A Liga Extraordinária e Van Helsing são outros exemplos de filmes que trabalham exatamente este período da literatura. Viagens sobre trilhos de trens, verdadeiros hotéis flutuantes vagando em zeppelins e máquinas extravagantes de funcionamento complicado que fazem pouco mais do que um despertador pululam em cada canto do mundo. A HQ Rocketeer e o filme Capitão Sky e o Mundo de Amanhã são classificados como dieselpunk

Origem

 

Apesar de várias obras agora consideradas como fundadoras do gênero terem sido publicadas nos anos 1960 e 1970, o termo "steampunk" se originou no final dos anos 1980 como uma variante de "cyberpunk". Como as histórias do "steampunk" prototípico eram essencialmente contos cyberpunk ambientados na passado, usando tecnologia da era do vapor em vez da ubíqua cibernética do cyberpunk, mas mantendo as atitudes "punkistas" dessas histórias em relação a figuras de autoridade e à natureza humana. Originalmente, como o cyberpunk, o steampunk foi tipicamente distópico, geralmente com temas de noir e ficção pulp, como uma variante do cyberpunk. À medida que o gênero se desenvolveu veio a adotar mais um apelo utópico das sensibilidades dos romances de ficção científica do século XIX.
A ficção steampunk se foca mais sobre a tecnologia real, teórica ou cinemática da era vitoriana (1837-1901), inclusive motores a vapor, aparelhos mecânico, e motores de diferença. Apesar de muitas obras steampunk serem ambientadas em cenários vitorianos, o gênero tem se expandido até para cenários medievais e geralmente passeia pelos domínios do terror e da fantasia. Várias sociedades secretas e teorias conspiratórias são geralmente apresentadas, e alguns steampunks incluem elementos significativos de fantasia. Além disso, há frequentemente influências lovecraftianas, ocultistas e góticas.

Steampunk primitivo

 

As origens do steampunk remontagem às obras pioneiras de ficção científica de Júlio Verne, H.G. Wells, Mark Twain e Mary Shelley, entre outros. Cada um destes autores escreveu obras apresentando tecnologia avançada e ambientada no século XIX ou início do século XX. Apesar de estes livros poderem ser classificados como steampunk hoje em dia, isto não é um rótulo exatamente correto, já que eles eram, na época de sua publicação, ambientados na época contemporânea (com exceção de Um Ianque de Connecticut na Corte do Rei Artur, de Twain).
Uma influência adicional na criação de steampunks são os contos Edisonade de Edward S. Ellis, Luis Senarens e outros, em que seus personagens Johnny Brainerd, Frank Reade, Jr., Tom Edison, Jr., e Jack Wright usavam veículos tecnologicamente avançados movidos a vapor em aventuras através dos Estados Unidos e do mundo. Além de fornecer a escritores posteriores os primeiros exemplos de criações de ficção científica usando a força do vapor, estas histórias tiveram uma influência direta no tema do "boy inventor" (garoto inventor), um subgênero de ficção científica personificado por Tom Swift (e repetido por Steamboy, Girl Genius e outros).
Uma origem plausível para o ethos steampunk dentro um contexto de mídia deve ser o filme original mudo Viagem à Lua, de Georges Méliès, que retrata uma viagem à lua, usando as tecnologias da época (especificamente, usando um grande canhão para ejetar um 'foguete' no espaço).

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CYBERPUNK: conheça um pouco mais!

Ciberpunk (de Ciber(nética) + punk) é um sub-gênero de ficção científica que utiliza elementos de romances policiais, film noir e prosa pós-moderna.


Cyberpunk é um subgênero da ficção científica, conhecido por seu enfoque de "Alta tecnologia e baixo nível de vida" ("High tech, Low life") e toma seu nome da combinação de cibernética e punk. Mescla ciência avançada, como as tecnologias de informação e a cibernética junto com algum grau de desintegração ou mudança radical na ordem social. De acordo com Lawrence Person: "Os personagens do cyberpunk clássico são seres marginalizados, distanciados, solitários, que vivem à margem da sociedade, geralmente em futuros despóticos onde a vida diária é impactada pela rápida mudança tecnológica, uma atmosfera de informação computadorizada ambígua e a modificação invasiva do corpo humano."
Segundo William Gibson, em seu livro Neuromancer, o indivíduo ciberpunk é uma espécie de "pichador virtual" que se utiliza de seu conhecimento acima da média dos usuários para realizar protestos contra a sistemática vigente das grandes corporações, sob a forma de vandalismo com cunho depreciativo, a fim de infligir-lhes prejuízos sem, contudo, auferir qualquer ganho pessoal com tais atos.
O termo cyberpunk também significa uma subcultura que é focada na subcultra cyber e se destaca pela preferencia por música psicodélica e de gêneros de fusão entre punk rock e música eletrônica e por adereços de moda futuristas.
O estilo ciberpunk descreve o lado niilista e underground da sociedade digital que começou a se desenvolver nas últimas duas décadas do século XX. Um mundo ciberpunk distópico é chamado de antítese das visões utópicas de mundos de ficção científica e meados do século XX como tipificadas pelo mundo de Jornada nas Estrelas (Star Trek), embora incorporando algumas dessas utopias, principalmente na questão do mito da separação entre corpo e mente, muito discutida na filosofia cartesiana.


Na literatura ciberpunk, muito da ação se ambienta virtualmente, no ciberespaço - a fronteira evidente entre o real e o virtual fica embaçada. Uma característica típica (ainda que não universal) desse gênero é uma ligação direta entre o cérebro humano e sistemas de computador.
O mundo ciberpunk é um lugar sinistro, sombrio, com computadores ligados em rede que dominam todos os aspectos da vida cotidiana. Empresas multinacionais gigantes substituíram o Estado como centros de poder. A batalha do excluído alienado contra um sistema totalitário é um tema comum na ficção científica; entretanto, na FC convencional tais sistemas tendem a ser estéreis, ordenados, e controlados pelo Estado. Em contraste a isso, no ciberpunk, mostram-se as entranhas da corporatocracia, e a batalha sisífica entre seu poder por renegados desiludidos.
As histórias ciberpunk são vistas como representações ficcionais do presente a partir de uma extrapolação e especulação das tecnologias de comunicação, como por exemplo, a internet.
O argumento da escrita cyberpunk se centra em um conflito entre hackers, inteligências artificiais, e megacorporações, tendentes a serem postos dentro da Terra num futuro próximo, em oposição do futuro distante panorama de encontros galácticos em romances como a Fundação de Isaac Asimov ou Dune de Frank Herbert. As visões deste futuro tenden a ser distopias pós-industriais, mas estão normalmente marcadas por um fomento cultural extraordinário e o uso de tecnologias em âmbitos nunca antecipados por seus criadores ("A rua encontra suas próprias aplicações pras coisas"). A atmosfera do gênero em sua maioria faz eco no cine negro e se utiliza pouco neste gênero técnicas de romances policiais. Entre os primeiros expoentes do gênero cyberpunk se encontran William Gibson, Bruce Sterling, Pat Cadigan, Rudy Rucker e John Shirley. As influências do Cyberpunk se estenderam por outros gêneros literários, e são visíveis, por exemplo, em traços da obra de Stephen King, como no livro O Concorrente, onde o mundo é um cenário Cyberpunk próximo temporalmente. O termo Cyberpunk se cunhou nos anos 80 e continua sendo atual.


Diferente da ficção científica da New Wave, que importou as técnicas e as preocupações estilísticas que já existiam na literatura e na cultura, o cyberpunk se originou na ficção científica primeiro, antes de incrementar a tendência dominante de sua exposição. No começo e meio dos anos 80, o cyberpunk se converteu num tema de moda nos círculos acadêmicos, onde começou a ser objeto de investigação do pós-modernismo. Neste mesmo período, o gênero ingressou a Hollywood e se converteu em um dos estilos da ficção científica do segmento do cine. Muitos filmes influentes tais como Blade Runner e a trilogia de Matrix se podem ver como consequências proeminentes dos estilos e dos temas do gênero. Os jogos de computador, os jogos de tabuleiro e os jogos de rpg, tais como Shadowrun, ou o apropriadamente nomeado Cyberpunk 2020, oferecem a miúdo roteiros que estão fortemente influenciados pelos filmes e a literatura cyberpunk. Iniciando os anos 90, algumas tendências da moda e a música foran etiquetadas como cyberpunk.
Enquanto que uma grande variedade de escritores começou a trabalhar com conceitos do cyberpunk, novos sub-gêneros emergiram, que se centravam na tecnologia e seus efeitos sociais duma maneira diferente. Os exemplos incluem o steampunk, iniciado por Tim Powers, Kevin Wayne Jeter e James Blaylock, e o biopunk (ou alternativamente ribofunk), no qual Paul Di Filippo é proeminente. Adicionalmente algumas pessoas consideram trabalhos tais como A era do Diamante de Neal Stephenson como o início da categoria postcyberpunk.

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